Шедевры галереи уффици

Сандро Боттичелли (1445–1510). Весна. Около 1478

Расцвет живописи Сандро Боттичелли пришелся на время, когда он сблизился с кружком гуманистов — поэтов, писателей, философов, художников — при дворе Медичи. Лоренцо Великолепный, правитель Флоренции, писал стихи и покровительствовал искусствам. Для виллы его кузена Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи и была заказана эта картина со сложным философско-поэтическим содержанием.

В «Весне» нашли отражение три неразрывных направления, в которых развивались искусство и философия флорентийских гуманистов: античный, христианский и куртуазный. Из античности здесь — персонажи и мотивы мифов. Справа Зефир, теплый западный ветер, похищает Хлориду, греческую нимфу полей и цветов, которая превращается в изображенную тут же Флору — уже римскую богиню, осыпающую землю цветами.

левой части — три грации, олицетворяющие целомудрие, любовь и наслаждение. Меркурий, разгоняющий облака, стоя под сенью апельсиновых деревьев, отсылает воображение зрителя к мифу о Парисе и его выборе прекраснейшей из богинь, которой он как победительнице отдал яблоко. Эта богиня, Афродита, или, как ее называли древние римляне, Венера, мягко ступает по ковру из трав и цветов в центре картины. Над ее головой — Амур с луком, целящийся в одну из граций.

Христианская тема проявляется здесь в том, что главная героиня напоминает Мадонну, рука которой словно благословляет всех. В этой героине сквозит и культ «прекрасной дамы», вдохновительницы поэтов. Эти куртуазные настроения процветали в кружке Лоренцо Великолепного. Картина была написана вскоре после того, как умерла возлюбленная брата Лоренцо, Джулиано Медичи, прекрасная Симонетта Веспуччи. Венера напоминает ее лицом. На самого же Джулиано походит Меркурий, в котором узнается также святой Себастьян, христианский мученик.

Эта работа, в которой сошлись самые разные мотивы, знаменовала собой важный поворот к живописи, не подчиненной никаким канонам. В ней была видна уже только душа художника и его воля. Русский искусствовед Павел Муратов писал о Боттичелли: «Он первым встречал утренний туман нового и долгого дня в истории мира под единственным знаменем чистого искусства».

Сандро Боттичелли (1445–1510). Весна. Около 1478 (фрагмент)

Сандро Боттичелли (1445–1510). Поклонение волхвов. Около 1475

Сандро Боттичелли (1445–1510) Поклонение волхвов Около 1475 (фрагмент)

В этой многофигурной композиции мастер кватроченто Сандро Боттичелли представил в образе волхвов, поклоняющихся Младенцу Христу, членов семейства Медичи, банкиров и купцов, правителей Флоренции, и приближенных к ним, в числе которых был и он сам.

Среди руин античного Рима, символизирующих окончание старого мира и начало нового, христианского, восседает Мадонна. Она держит на коленях Младенца, позади стоит, облокотившись на руку, Иосиф и умиленно смотрит на новорожденного. Перед Христом опустился на колени Козимо Старший Медичи. Джорджо Вазари писал: «И особую выразительность мы видим в старце, который, целуя ноги Господа нашего и тая от нежности, отменнейшим образом показывает, что он достиг цели длиннейшего своего путешествия».

иже к переднему краю картины изображены сыновья Козимо, Пьеро и Джованни. К моменту написания произведения они и их отец уже умерли, но Боттичелли включил их в круг семьи как неразрывно связанных с ней. В черном с красным одеянии стоит, задумавшись, Джулиано, сын Пьеро, позади него с бородой и в шапке — философ Джованни Аргиропуло, перед ним в голубом — заказчик работы, Дзаноби дель Лама. Слева в горделивой позе стоит брат Джулиано, Лоренцо Великолепный, рядом с ним — поэт Анджело Полициано, им что-то рассказывает гуманист и философ Пико делла Мирандола. Наконец в правом нижнем углу на зрителя смотрит закутанный в рыжий плащ сам Боттичелли. Традиция изображать себя среди участников сцены из Священного Писания была широко распространена в эпоху Возрождения.

Медичи учредили во Флоренции так называемое Братство волхвов, куда входили они сами и их приближенные. Братство устраивало костюмированные шествия: его члены, переодевшись волхвами, шли пешком и ехали верхом на конях по улицам города. Вероятно, эти мистерии также нашли свой отзвук в картине Боттичелли.

Сандро Боттичелли (1445–1510). Рождение Венеры. 1483–1485

«Рождение Венеры», как и «Весну», художник написал для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Сюжет этой картины основан на мифе о том, как из пены морской появилась на свет богиня любви. Боттичелли мог найти изложение мифа у античных авторов или его переработку у поэта Анджело Полициано, работавшего при дворе.

…Влечет
Зефир влюбленный раковину к брегу,
И небеса их радуются бегу…
… И видно — блеск глаза богини льют.
Пред ней с улыбкой небо и стихии.
Там в белом Оры берегом идут…
Венера, стоя в раковине, плывет, подгоняемая Зефиром и Хлоридой, а навстречу ей идет Ора, одна из спутниц богини, которая держит покрывало, чтобы окутать ее. Трепещущие на ветру прихотливые складки покрывала и одежд, волны на море, изломанная линия берега, «гофрированная» створка раковины, наконец летящие волосы Венеры — все это оттеняет плавные очертания тела богини и усиливает то чувство высшей гармонии, которое вызывает ее облик. Над головой Венеры едва ли не смыкаются руки персонажей, и кажется, будто ее осеняет арка, которой вторит круглящийся низ раковины. Таким образом, фигура богини замыкается в воображаемый овал. Если в «Весне» композиция состоит из нескольких равноценных по смыслу групп, то здесь Венера — тот центр, к которому стремится все.

У ренессансных художников обнаженная Венера в противовес одетой символизировала любовь небесную. Боттичелли наделил свою героиню тем целомудрием, которое почитается как высшая добродетель, отсюда и мотив поклонения, присутствующий в картине. Прекрасное лицо героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли, и потому в этой работе сквозь античную тему звучит христианская, а соединение античного гуманизма и христианства и дало феномен итальянского Возрождения.

Сандро Боттичелли (1445–1510). Мадонна с Младенцем и ангелами (Мадонна дель Магнификат). 1483

«Магнификат» — название католической хвалебной песни Девы Марии, данное этому славословию по первой строке: «Magnificat anima mea Dominum» — «Величит душа Моя Господа», поэтому картина имеет второе наименование, которое переводится как «Величание Мадонны». У Боттичелли Богоматерь держит в руке перо, приготовившись обмакнуть его в чернила и дальше записывать в книге слова из Евангелия от Луки, на которые и написано песнопение.

Форма тондо — круглой картины — особенно подходила живописи Боттичелли с ее плавными, текучими линиями, изгибами тел, склоненными головами персонажей. В данном случае художник и придает всей композиции круглящиеся очертания, которые образованы позами Мадонны и Младенца, склоненным ангелом слева, встречающимися вверху руками ангелов, держащих корону и возлагающих ее на голову Марии. Кроме того, вся группа помещена на фоне круглого окна, пейзаж за ним тоже странно изгибается, словно отраженный в выпуклом зеркале. Это одно из самых лирических произведений Боттичелли, где музыка воплощена в композиции, ритме, красках, линиях и выражениях лиц.

Джованни Беллини (1430–1516). Священная аллегория. 1490–1499

Джованни Беллини (1430–1516). Священная аллегория. 1490–1499 (фрагмент)

Джованни Беллини, чье творчество повлияло на всю венецианскую живопись и прежде всего на ее настроение, оставил после себя загадку, которую не могут разгадать до сих пор: каков сюжет картины «Священная аллегория»? Это отвлеченное название ей было дано потому, что никто точно не смог ответить на вопрос.

Художник изобразил так называемое святое собеседование: сидящей на троне Богоматери предстоят святые. Среди них можно различить Павла с мечом, прогоняющего человека в тюрбане, Петра, опершегося на балюстраду и сторожащего вход на площадку, Себастьяна со стрелой в груди и Иова, молитвенно сложившего руки. Но композиция «святого собеседования», всегда бывшая, когда Беллини или другие художники обращались к этому сюжету, центральной, здесь развернута к зрителю боком и становится одним из представленных мотивов.

угой — играющие под деревом младенцы. В их группе выделяется тот, кто держит в руках яблоко, символизирующее человеческие грехи. Этот ребенок может быть Христом, пришедшим в мир искупить грехи, а младенцы вокруг Него — душами, попавшими в чистилище, за которые молятся святые. Река — скорее всего Лета, отделяющая этот мир от мира живых, который виден на среднем и дальнем планах. Там молится в пещере анахорет, неподалеку бродит кентавр, олицетворяющий соблазны, а еще дальше живут своей обычной жизнью люди.

Но прав был русский искусствовед Павел Муратов, когда писал о Беллини: «И может быть, ключ к его картине находится не столько в том, что изображено, сколько в самом чувстве, каким проникнуто здесь все. <…> Нам понятны глубокое созерцательное раздумье, в которое погружены его святые, и бесплотная тонкость младенческих игр с золотыми яблоками темнолиственного мистического дерева. В той стране, которая открывается за уснувшими зеркальными водами Леты, мы узнаем нашу страну молитв и очарований. Там бродят в уединении скал наши души, когда их освобождает сон… На утренней заре они второй раз погружаются в летейские воды и выходят, храня печаль, на берег жизни».

Пьетро Перуджино (между 1445 и 1452–1523). Пьета. Около 1493–1494

Глава живописной школы Умбрии и учитель Рафаэля Пьетро Перуджино создавал картины, в которых, например в представленной, царит какая-то особая тишина. Словом «пьета», что в переводе с итальянского означает «сострадание, жалость», называют в живописи и скульптуре сцену оплакивания Богоматерью мертвого Христа, лежащего у Нее на коленях.

В картине господствуют две взаимно уравновешенные композиционные линии — вытянутого тела Спасителя и полукруглых арок, которым вторит своими очертаниями фигура Марии. Арка — символ небесного свода и мировой гармонии — уже своей формой вносит в композицию чувство, подчеркивающее, что жертва Христова была не напрасна. На Его лике — умиротворение, Богоматери — глубокая тоска, которая не находит выхода вовне, а на лицах Иоанна Евангелиста и стоящего за ним святого — то выражение, которое можно определить классической строкой «печаль моя светла». Грусть и вместе с ней надежда ощущаются и в весеннем пейзаже вдали, и в золотистом воздухе, окутывающем все изображенное.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564). Мадонна Дони (Святое семейство). 1505–1506

Данное произведение — единственная дошедшая до нас законченная станковая картина Микеланджело, уделявшего основное внимание скульптуре, архитектуре и фрескам. В его монументальных росписях фигуры напоминают скульптуру, и это неслучайно: на вопрос писателя Бенедетто Варки о том, что выше — живопись или скульптура, Микеланджело ответил: «Живопись, как мне кажется, считается лучше тогда, когда она больше склоняется к рельефу».

Так и в «Мадонне Дони» или «Тондо Дони» (тондо — круглая по форме картина или рельеф) фигуры Мадонны, Христа, святого Иосифа, святого Иоанна Крестителя и юношей на заднем плане выписаны именно рельефно, скульптурно. Впрочем, эта особенность отличала всю живописную школу Тосканы от, например, венецианской. Центральная группа напоминает скульптурную композицию: она компактна, и создается впечатление, что ее можно обойти со всех сторон и рассмотреть. В этом произведении чувствуется и мышление архитектора, настолько все изображенное устойчиво и надежно «закреплено» в пространстве.

Живопись картины напоминает монументальную, подобную тем фрескам, что Микеланджело выполнил на потолке Сикстинской капеллы в 1508–1512. Фигуры персонажей и складки драпировок «Мадонны Дони» лапидарны, то есть рассчитаны на дальний обзор. Поза Богоматери так же сложна, как и у сикстинских персонажей, словно предназначенная вторить пластике некой архитектуры. А своей пространственной композицией, уходящей в глубину, тондо похоже на расписной потолочный плафон.

И все-таки это станковая картина, о чем говорит ее колорит, складывающийся из глубоких и чистых цветов, не столь необходимых в монументальной живописи, и замкнутая композиция тондо, и живые характеры изображенных. Таким образом Микеланджело, который называл себя, в первую очередь, скульптором, доказал, что прекрасно владеет приемами станковой живописи, и проявил в этом произведении все свои таланты, как и подобало мастеру Высокого Возрождения.

Рафаэль Санти (1483–1520). Автопортрет. 1506

Юноша с вдохновенным лицом, лицом молодого гения — таков Рафаэль, смотрящий на нас с автопортрета. От его облика исходят спокойствие и небесная гармония, которыми отличается вся живопись художника. Колорит этой картины подчеркнуто сдержан — нейтральный фон, темные волосы, такая же шапочка. Между темным одеянием и кожей теплого цвета виднеется узкая белая полоска рубашки — в этом тончайшем переходе от глухого черного к живым тонам лица и шеи — весь Рафаэль, чувствовавший глубинные законы живописи.

Автопортрет, весьма похожий на этот, только в зеркальном развороте, художник поместил на фреске «Афинская школа» (1508–1511) в ватиканской «Станце делла Сеньятура»: справа в образе древнегреческого живописца Апеллеса виден тот же исполненный высокой поэзии облик Рафаэля.

Рафаэль Санти (1483–1520.) Мадонна со щеглом. 1507

Это один из тех образов Мадонны с Младенцем и Иоанном Крестителем, которые Рафаэль создал во Флоренции. Он был заказан художнику его другом, торговцем Лоренцо Нази, к собственной свадьбе. Живописец использовал здесь ту же треугольную композицию, что и в других картинах на данную тему, благодаря чему изображение приобрело равновесие и редкую гармонию.

Мария словно закрывает собой Младенца Христа и маленького Иоанна. Мягкие линии Ее фигуры, текучие складки одеяния, как и ставший типичным для Рафаэля идилличный пейзаж на заднем плане с плавными очертаниями ландшафта, погруженный в легкую дымку и тающий вдали, наполняют картину настроением умиротворения. Но щегол, символ Страстей Христовых, в руке Иоанна Крестителя, к которому тянется Младенец, вносит тревожную ноту в изображенное. При этом лицо Мадонны, нежное, с опущенными глазами, обрамленное мягкими волосами, выражает спокойствие, которое передается и зрителю.

Джорджоне(предположительно) (14761478()-1510). Воин и оруженосец (Гаттамелата). Около 1505–1510

Доподлинно неизвестно, кто является автором представленной картины, но ясно, что этот художник находился под сильным влиянием живописи венецианца Джорджоне.

На полотне изображен кондотьер Эразмо де Нарни, живший почти за столетие до написания картины и получивший прозвище Гаттамелата — «ласковая кошка». Выходец из низших слоев общества, он стал наемным солдатом, служил в разных городах и разным правителям, дослужился до кондотьера — предводителя отряда, бывшего на службе у коммуны. К тому же он стал правителем Падуи, и его конная статуя работы Донателло установлена возле главного падуанского собора — папской базилики Сант Антонио. На картине рядом с Гаттамелатой изображен, вероятно, его сын Антонио.

Джорджоне и его последователи образовали в венецианской живописи рубежа XV–XVI веков целое течение, отличительной чертой которого было созерцательное настроение изображенных персонажей. Вот и этот воин с отнюдь не рафинированной внешностью, привыкший к тяжелой, полной риска жизни, застыл с таким выражением на лице, будто он слушает музыку. Его меч, латы и шлем воспринимаются всего лишь символами, а мальчик — ангелом, стоящим за плечом.

Себастьяно дель Пьомбо (около 1485–1547). Смерть Адониса. 1512

Будучи учеником Джованни Беллини и испытав влияние Джорджоне, Себастьяно дель Пьомбо перенял от них мягкость форм и лирическое настроение, привнеся их в свои картины. Но, работая в Риме, он оказался также под воздействием искусства Рафаэля с его абсолютной гармонией и Микеланджело, наделявшего своих персонажей невиданной мощью.

В представленном полотне художник обратился к мифу об Адонисе, прекраснейшем юноше, возлюбленном Афродиты, убитом во время охоты вепрем. Дель Пьомбо изобразил момент, когда Афродита узнает о гибели Адониса, о которой ей сообщает Купидон, причем большая часть произведения занята сидящими в роще божествами, а умирающий герой находится поодаль. Этот прием — отнести кульминационный момент всей сцены на некоторое расстояние, оттянуть его восприятие зрителем — заостряет тревожное настроение, разлитое в картине и волной пробегающее по персонажам.

На заднем плане художник запечатлел вид Венеции с Палаццо дожей и колокольней собора Сан-Марко, отражающийся в тихих водах лагуны. Вечерний пейзаж со светлым голубым небом, золотистым закатом, белыми пухлыми облаками в вышине и бегущими по земле и воде тенями наполняет все изображенное тонкой грустью, которую любили передавать в своих картинах венецианские художники.

Пьеро ди Козимо (1462–1521). Персей, освобождающий Андромеду. Около 1510–1515

Пьеро ди Козимо (1462–1521) Персей, освобождающий Андромеду. Около 1510–1515 (фрагмент)

Флорентийский художник Пьеро ди Козимо соединил в своем творчестве гармоничные, одухотворенные образы Высокого Возрождения с любовью к подробному изображению окружающего мира, которую воспринял от нидерландских живописцев.

В представленной картине, написанной в поздний период творчества, мастер использовал древнегреческий миф о Персее, спасающем Андромеду. Возвращаясь после победы над горгоной Медузой, герой увидел девушку, привязанную к скале. Это была Андромеда, которую жители ее родной страны принесли в жертву морскому чудовищу, пожиравшему людей, ради избавления от него. Персей в своих крылатых сандалиях и волшебном шлеме, делавшем его невидимым, изображен на картине дважды — летящим над морем и стоящим на спине чудовища, замахивающимся мечом. Слева мучается Андромеда и прячутся, закрываясь плащами, испуганные люди, а справа народ веселится и машет лавровыми ветвями, славя героя.

Включение в композицию разных по времени событий и их напоминающая сказку трактовка свидетельствуют об еще не изжитых традициях предыдущего столетия — кватроченто, но мягкие очертания фигур и распахнутый вдали пейзаж говорят о том, что данное произведение создавалось в эпоху Высокого Возрождения.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Флора. Около 1515–1517

О том, кто изображен на представленной картине Тициана, венецианского художника Высокого Возрождения, спорят издавна. Одно время считалось, что это дочь художника Пальмы Старшего, ему приписывалось и само произведение, потом, когда оно вновь было признано работой Тициана, споры о героине картины продолжились. На мысль отождествить запечатленную девушку с Флорой, римской богиней цветов, наводил букетик в ее руке. И весь облик этого юного, цветущего, мечтательного существа с распущенными волосами, в спадающей с одного плеча белой рубашке и вправду ассоциируется с античной богиней.

В то же время это — портрет реально жившей венецианки, с золотистыми, по тогдашней моде, волосами и светлой бархатистой кожей. Вполне возможно, что молодой Тициан рисовал ее, фантазируя на тему античности, и получился живой, полнокровный и одновременно приподнятый над реальностью образ.

Тициан Вечеллио (14881490-1576). Портрет Элеоноры Гонзага делла Ровере. 1536–1537

Обычно Тициан, создавая картины на мифологические и христианские сюжеты, а также портреты-фантазии вроде «Флоры», был свободен в живописных средствах. Но, изображая знатных особ, он словно становился тем светским человеком, которым был в жизни. Любя жизнь и умея получать от нее наслаждение, он тем не менее хорошо знал, что такое условности этикета. Поэтому на портрете представлена прежде всего аристократка из знатного итальянского рода, сидящая в парадной позе и одетая в роскошный наряд. Художник тщательно передал и рыхлость бархата, и блеск золота, и воздушность кружева.

Тициан подчеркивает достоинство Элеоноры и через него — ее добродетельность, это понятие было важным для эпохи Возрождения. Лицо модели бесстрастно, и только нежный румянец на белой коже и карие глаза, светящиеся умом и силой, оживляют его и дают почувствовать характер женщины, которая существует в рамках, предписанных ей сословием. Если верно то, что Элеонора служила музой Тициану при написании таких картин, как «Девушка в меховой накидке» и особенно «Венера Урбинская», то можно представить себе диапазон возможностей этого живописца: он был способен и фантазировать на тему облика нравившихся ему женщин, и писать строгие парадные портреты.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Венера Урбинская. 1538

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Венера Урбинская. 1538 (фрагмент)

Античная тема, нередко возникавшая в творчестве Тициана, позволяла этому жизнелюбивому венецианцу выплеснуть на полотно все свое восхищение миром и умение ценить его красоту. Мастер любил античность как нечто живое и потому смело помещал персонажей греческой или римской мифологии в современную ему обстановку.

Его «Венера», приобретенная Гвидобальдо дела Ровере, герцогом Урбинским и потому получившая свое нынешнее название, представляет молодую венецианку, красавицу с живым взглядом, нежным телом и золотыми волосами. Ее поза напоминает о классическом типе «Венера пудика», то есть «стыдливая», но эта девушка, если чуть и смущается, то вполне сознает свою красоту. Картина перекликается со «Спящей Венерой» Джорджоне, хранящейся в Дрезденской картинной галерее, но у Тициана в облике богини больше чувственности. Однако эта чувственность обманчива. Местом действия художник выбрал комнату, где все дышит уютом крепкого дома: на заднем плане служанка ищет что-то в сундуке, а другая смотрит на нее в ожидании. На окне стоит мирт — символ брачной жизни, на кровати постланы белые простыни и брошены белые подушки, говорящие о чистоте лежащей на них женщины, у ног которой свернулась собачка, символизирующая преданность. Таким образом, скрытый смысл картины надо понимать как супружескую любовь.

Андреа дель Сарто (1486–1531). Мадонна с Младенцем (Мадонна гарпий). 1517

Андреа дель Сарто (1486–1531.) Мадонна с Младенцем (Мадонна гарпий). 1517 (фрагмент)

Андреа дель Сарто работал в то время, когда живопись Ренессанса находилась в зените, поэтому творчество художника несет в себе все черты того искусства. Особенно это проявилось в гармоничности, возвышенности образов на картинах. Но в то же время в произведениях мастера видны признаки уже зарождавшегося маньеризма: вытянутые фигуры, явная «постановочность» сцен, подчеркнутое изящество поз и жестов и еле уловимая «сладостность», которой отмечена внешность персонажей.

Представленная работа была выполнена для церкви Сан Франческо во Флоренции, поэтому на полотне изображен также святой Франциск. Справа стоит святой Иоанн Евангелист. Название картины связано со странными крылатыми существами, высеченными в высоком рельефе на постаменте. Джорджо Вазари считал, что это гарпии — чудовища из греческой мифологии, птицы с головами женщин. Но скорее всего это изображение саранчи из Апокалипсиса, на что указывает и фигура Иоанна Евангелиста, в Откровении которого сказано: «И из дыма вышла саранча на землю, и дана была ей власть, какую имеют земные скорпионы» (Откровение, 9:3). Изобразив Богоматерь стоящей над символами грядущих бедствий, художник подчеркнул Ее роль спасительницы праведных.

Андреа дель Сарто (1486–1531). Портрет девушки с книгой стихов Петрарки. 1528

Андреа дель Сарто (1486–1531). Портрет девушки с книгой стихов Петрарки. 1528 (фрагмент)

Исполненные величия картины и лиричный, теплый по настроению портрет девушки — вот два полюса в творчестве Андреа дель Сарто, флорентийского художника Высокого Возрождения. Впрочем, теплота и домашность присутствуют в этом портрете еще и оттого, что мастер нарисовал дочь своей любимой жены Лукреции от первого брака — падчерицу Марию, которую воспитал как родную.

С хитринкой смотрящая на зрителя девушка держит в руках томик любовных сонетов Петрарки. Она впервые прикасается к тайнам чувства, которые будоражат и манят ее, героиня хочет утаить свое открытие и не может этого сделать, неловко указывая пальцем на строки, которые читает. Все это так точно схвачено художником, что обычный вроде бы сюжет с влюбленной девушкой, невольно намекающей на свое приподнятое внутреннее состояние, вызывает у зрителя теплое и трепетное настроение. Такой глубины в раскрытии внутреннего мира юного существа мало кто достигал во времена Андреа дель Сарто.

Якопо Понтормо (1494–1557) Портрет Козимо Старшего Медичи 1519–1520

В этой ранней работе Якопо Понтормо уже присутствуют признаки маньеризма, одним из основоположников которого он станет. Именно манера изображения, то есть то, кок оно написано, привлекала художника.

Портрет Козимо Старшего Медичи был создан спустя более чем полвека после того, как основатель династии Медичи, банкир и купец, ставший правителем Флоренции, ушел из жизни. В посмертном изображении человека мастер мог дать себе некоторую волю.

Заказал портрет секретарь герцога Урбинского Лоренцо Медичи, одного из потомков Козимо, вероятно, к рождению его сына. Козимо сидит в кресле, перед ним — ветвь лаврового дерева, эмблема рода, вокруг которой вьется бумажная лента со стихами из «Энеиды» Виргилия. В ссутуленной худой фигуре изображенного и его лице чувствуется усталость от бурно прожитых лет, кисти его рук, как у привыкшего повелевать и не желающего расставаться с властью, сжаты. Красное одеяние Козимо, выделяясь на темном фоне, вносит в полотно тревожную ноту и передает драматизм, которым отмечено состояние человека.

Якопо Понтормо (1494–1557). Ужин в Эммаусе. 1525

На этой картине Якопо Понтормо изображает момент, описанный в Евангелии от Луки, когда воскресший Христос, явившийся двум своим ученикам по дороге в Эммаус и не узнанный ими, соглашается разделить с ними вечернюю трапезу: «И когда Он возлежал с ними, то, взяв хлеб, благословил, преломил и подал им. Тогда открылись у них глаза, и они узнали Его» (Лука, 24:30).

Живописец изобразил Христа более высоким, чем остальные участники сцены, но находится Он на одном уровне со зрителем, а пол, стол и сидящие за ним персонажи увидены немного сверху. От этого вся композиция буквально стягивается к фигуре Спасителя. Понтормо внес в свое произведение черты бытового жанра, заметные в позах учеников, в том, как один из них наливает вино, а второй держит хлеб. Но над головой Христа изображено всевидящее око Божие в треугольнике, окруженном сиянием и символизирующем Троицу, и это возвращает смотрящего на картину к ее возвышенному плану

Джорджо Вазари (1511–1574). Портрет Лоренцо Великолепного. Около 1533–1534

Архитектор, художник и первый историк итальянского искусства Джорджо Вазари писал этот портрет по заказу Алессандро Медичи спустя много лет после смерти изображенного на нем человека.

Лоренцо Великолепный был внуком Козимо Старшего Медичи и сосредоточил в своих руках всю власть над Флоренцией, но в то же время покровительствовал художникам и поэтам и сам писал стихи. Время его правления было «золотым веком» флорентийского искусства. Но на этом портрете изображен выглядящий усталым, погруженный в свои думы человек, равнодушный и к славе, и к богатству, на которое намекает красный кошелек, и даже к тому, что его объявили «сосудом всех добродетелей», о чем свидетельствует надпись позади. Вазари выразил в картине тоску по времени, когда живопись, поэзия и слова гуманистов находили отклик в душе правителя.

Русский искусствовед Павел Муратов так писал о Лоренцо, каким он был на склоне лет: «Им еще дышала тогдашняя Флоренция; он сделал образ ее нетленным. Даже сознанию ближайших поколений Флоренция кватроченто, Флоренция Лоренцо Великолепного казалась явлением древнего божества в человеке, посетившим итальянскую землю. Простое обращение к ней возвышало дух. Когда через пол века… Джорджио Вазари взялся за ныне находящийся в Уффициях портрет Лоренцо, в нем странно воскресла еще раз гениальность старой Флоренции…»

Пармиджанино (Франческо Маццола) (1503–1540). Мадонна с Младенцем, ангелами и пророком (Мадонна с длинной шеей). 1534–1540

Один из ведущих художников маньеризма, Пармиджанино в противоположность мастерам Возрождения искал гармонию в нарочито измененных фигурах и предметах, вытянутых и словно тяготеющих к бесконечности. Картина «Мадонна с длинной шеей» была написана мастером по заказу сестры его друга, Елены Байарди, для церкви Санта Мария деи Серви в Парме.

Тела изображенных удлинены (отсюда и второе название этого произведения) и волнообразно изогнуты. Особенно наглядно это видно в фигуре ангела, стоящего впереди. Усиливают ощущение ирреального, волшебного, которое вызывает это произведение, холодные, отливающие перламутром краски, а также слишком маленькая по сравнению с остальными фигура святого Иеронима и незавершенный то ли нарочно, то ли из-за смерти мастера архитектурный фон, где колонны оказались ничего не несущими. И в то же время одиночная колонна приобретает здесь особый смысл как символ стойкости.

На вазе в руках ангела изображено Распятие. Тема будущих мучений и крестной смерти Спасителя воплощается и в позе спящего Младенца, напоминающей об иконографии пьеты — изображения Богоматери, оплакивающей мертвого Христа, которого Она держит на коленях.

Источник: lovers-of-art.livejournal.com

История строительства

Оказывается, что идея создания галереи принадлежит небезызвестному Козимо I де Медичи, по заказу которого и был реализован весьма смелый для того времени проект Дж. Васари. Яркий представитель славной итальянской династии долго вынашивал идею объединения в одном здании всех учреждений Флоренции, внутри которых решались дела государственной и региональной важности. Конечно, историки усмотрели и меркантильную цель заказчика. В постройке Медичи хотел увековечить богатство и власть своего знаменитого рода.

В результате гениальный образец архитектуры стал настоящим украшением славного городка. Состоялось это знаменательное событие в 1581 году. И с того самого времени считается, чуть ли не самым ярким музеем разных направлений искусства на просторах Европы. Более того, в 2008 году сооружение поставило своеобразный рекорд: его залы посетило 1 млн. 553 тыс. 951 человек, что сделало Уффици наиболее посещаемой на планете!

Будет интересно знать, что сам заказчик дворца не смог увидеть проект завершенным, поскольку скончался за пять лет до сдачи работы. И буквально сразу же изменилось конечное назначение галереи. Вместо административного здания оно постепенно превратилось в музей, а его коллекция стала ежегодно пополняться все новыми творениями итальянских гениев.

Впервые свои двери для посетителей Уффици открыла в конце 16 века, но посмотреть на уникальное собрание культурных и исторических ценностей могли исключительно представители высшего социального сословия. А вот простым людям было позволено попасть внутрь лишь спустя столетие. И случилось это исключительно по доброй воле последней наследницы из рода Медичи. Она приняла решение подарить чудесный дворец всему народу Флоренции.

Флоренция: входной билет по времени для Давида Микеланджело
Флоренция: входной билет в Галерею Уффици
Галерея Уффици: приоритетный вход
Кафедральный собор Флоренции: билет с посещением купола
Флоренция: Входной билет и аудиогид в Палаццо Веккьо
Флоренция: тур Hop-on Hop-off. Билет на 24, 48 или 72 часа
Музей Леонардо да Винчи: входной билет
Флоренция: тур в Дуомо с гидом и подъемом на вершину купола
Входной билет в базилику Сан-Лоренцо
Полет на воздушном шаре над Тосканой: Флоренция

Популярное место для туристов

В результате городок стал еще более притягательным для многочисленных поклонников прекрасного. Туристы со всего мира устремились во Флоренцию с целью лично познакомиться с уникальным собранием произведений искусства и окунуться в древнюю историю славного городка. Галерея Уффици в течение нескольких последних столетий стала излюбленным местом для туризма. Только представьте себе, желающих прогуляться по залам и коридорам архитектурной «жемчужины» настолько много, что туристам приходится провести минимум несколько часов в ожидании своей очереди. И то, что предстоит увидеть внутри, стоит таких нечеловеческих усилий и жертв. Ведь перед каждым входящим открывается уникальный мир изобразительного искусства, мир скульптур и других шедевров гениальной мысли.

Кстати, среди представленных полотен, далеко не все были созданы рукой итальянских мастеров. Многие картины пополнили и без того немалую коллекцию, прибывая во Флоренцию со всех уголков мира в качестве дара или презента. Так что здесь можно насладиться шедеврами лучших мастеров всех времен и народов.

Не лишним будет заметить, что само здание имеет форму латинского символа «U» и расположено на центральной площади дела Синьория. Главную достопримечательность города знает каждый житель Флоренции, поэтому даже попавшие в эти места впервые, найдут галерею без особого труда.

Архитектура

Кроме собрания картин, предельного внимания требует и сама архитектура. Здесь можно увидеть и висячие сады, и роскошный театр и уникальные скульптуры. Присутствуют здесь и элементы ранней постройки, среди которых Монетный двор и собор имени Святого Пьетро Скераджо. Исследователи утверждают, что эти здания были созданы еще в 13 веке.

Удивительно, как архитектор Джорджио Васари смог предусмотреть в своем творении длинные коридоры, стены которых так удачно украшают многочисленные полотна. Историки, которые тщательно изучили эту личность, знают, что гений был ярым поклонником изобразительного искусства и полагал, что длинные коридоры и лестничные пролеты будут прекрасным выставочным местом для лучших творений мастеров кисти. Если бы он только знал, как он был прав!

Картины

Картины, размещённые в галерее Уффици – шедевры великих итальянских мастеров живописи прошлого. Здесь что ни картина, то знаменитое имя классика изобразительного искусства, начиная от Микеланджело и заканчивая Караваджо. Каждое полотно – настоящая жемчужина в море живописи.

Картина Микеланджело «Святое семейство» была написана не на холсте, а на дереве в 1504 году по заказу знатного флорентийского купца Дони в честь его свадебной годовщины. Иначе её называют «Тондо Дони» («тондо» по-итальянски «круглый») из-за формы.

В картине выразился необыкновенный талант художника в создании сложных композиций, в монументальном изображении человека, когда фигуры Марии, Иосифа и маленького Христа кажутся не нарисованными, а объёмно вылепленными. Так же пластично выглядят обнажённые фигуры заднего плана картины: кажется, что каждый их мускул, каждый изгиб живой. Сочные, яркие оттенки темперы не потускнели с веками, время не властно над ними, как и над божественным даром гениального художника.

Если у Микеланджело больше скульптур, чем картин, то Ботичелли – художник, подаривший миру очень много разножанровых полотен, представленных в Уффици. Нельзя отвести взгляд от его шедевра «Рождение Венеры» — воплощение таланта и неземной любви художника к прототипу Венеры – Симонетте Веспуччи, в которую Сандро был страстно влюблён.

Первая красавица Флоренции, нежная и обаятельная, обладательница прекрасной фигуры была предметом тайного чувства художника. После её ранней смерти Ботичелли воскресил образ любимой на картине, изображающей момент выхода Венеры на берег с божественной раковины. В облике богини столько целомудренной красоты, женственности, земной притягательности!

Привлекательна и другая картина Ботичелли, сюжет которой построен на античной мифологии – «Весна». Романтический миф о ветре Зефире, сумевшем своей любовью превратить нимфу Хлорис в богиню цветов Флору, лежит в основе сюжета.

Какое счастье для всех – увидеть рафаэлевских Мадонн с младенцами, олицетворяющих собой высшую степень материнства и любви. Талантливейший творец своей эпохи Рафаэль представлен в Уффици самыми лучшими полотнами: «Сикстинская Мадонна», «Три Грации», «Св. Себастьян», «Дама под покрывалом», «Святое семейство» и др.

Здесь находятся знаменитые шедевры Тициана «Кающаяся Магдалина», «Диана», «Мадонна с младенцем», «Крещение Христа» и другие бесценные полотна великого художника.

Истинными шедеврами являются картины Вероккьо «Крещение Христа», знаменитого Леонардо да Винчи «Благовещенье», умбрийского художника Перуджино «Оплакивание Христа», Пьеро де Козимо «Сошествие Святого Духа».

Как радостно, что в этой художественной сокровищнице среди портретов великих мастеров Европы есть 4 портрета русских живописцев: Репина, Кустодиева, Брюллова и Кипренского.

Время работы и цены на билеты

Огромная популярность музея и спрос на билеты сделали свое дело. Уффици готова принять посетителей в любой день, кроме понедельника. У туристов, которые отправляются на свидание с частичкой искусства и истории в летний период, шансов попасть в залы больше, поскольку заведение работает вплоть до 22 часов. Стоимость билета примерно 7 евро, но за дополнительную плату можно избежать длинной очереди и попасть внутрь быстрее.

Кто-то называет этот подход дискриминацией и обижается на флорентинцев, а кто-то не видит ничего зазорного в том, чтобы воспользоваться таким обоюдовыгодным предложением и ускорить знакомство с гениальными творениями разных направлений искусства.

Рекомендуем к прочтению Путеводитель по Флоренции.

Советы посетителям

Галерея Уффици – святое место, хранилище величайших творений людей, наделённых божественным даром, и посещение этого сокровенного собрания требует определённых строгих правил, соблюдать которые необходимо.

Запрещается фотографирование и киносъёмка внутри в целях лучшей сохранности картин. Нельзя приносить с собой напитки или другие жидкости, приходить в залы с рюкзаками или объёмными сумками (их придётся оставить в камере хранения, выстояв очередь).

Галерея открыта каждый день, кроме понедельника, с 08.30 до 19.00. С учётом того, что здесь постоянные длинные очереди (особенно в разгар туристического сезона), стоит приходить пораньше, чтобы не томиться в них больше часа.

Если некоторые гиды-ловкачи предлагают пройти в галерею, минуя очередь, лучше это проигнорировать: ждать придётся не меньше, а денег уйдёт больше. Есть возможность получить бронь на посещение через интернет, тогда ожидание сократится до 20 минут, но придётся потратить лишние 4 евро и не опаздывать к назначенному времени.

Очередь посетителей с билетами, заказанными через интернет, продвигается гораздо быстрее. Входной билет стоит 9,1 евро. Бесплатно зайти имеют право именинники и женщины в День 8 Марта.

Для обеспечения удобного осмотра галерея предлагает услугу аудиогида стоимостью 8 евро, беря за это залог в виде любого документа: паспорта, служебного удостоверения, водительских прав.

За один визит невозможно осмотреть все шедевры, лучше всего наметить заранее объекты, которые больше всего интересуют. Если планируется 3-4-часовое пребывание, можно сделать перерыв в осмотре и отдохнуть в кафе на 2-м этаже.

Где находится и как добраться

Галерея Уффици находится близ Площади Синьории, между дворцом Палаццо Веккьо и рекой Арно.

Адрес: Piazzale deqli Uffizi, 6. Прийти к галерее можно пешком за 10 минут от ж/д вокзала Санта-Мария-Новелла. Нужно идти до Соборной пл., затем по ул. Кальдзайоли к пл. Синьории, подойти к Палаццо Веккьо (Старый дворец) и за ним увидеть здание Уффици, от посещения которого останутся прекрасные воспоминания. При желании можно взять такси, но лучше идти пешком, чтобы увидеть старинные флорентийские дворцы.

Во Флоренции GuruTurizma рекомендует следующие отели:

Источник: GuruTurizma.ru

Экскурсии по Флоренции и окрестностям

Самые интересные экскурсии — это маршруты от местных жителей на Трипстере. Рекомендуем
обзорную экскурсию по Флоренции для первого знакомства. А затем однодневный тур в самый красивый город Тосканы
«Сыр и вино в живописном Сан-Джиминьяно» (прогулка по «Средневековому Манхэттену» + дегустация итальянской кухни и вина на вилле с видом на Сан-Джиминьяно).

---

История строительства будущей галереи

Красивое итальянское «уффици» в переводе имеет довольно бытовое значение — «оффисы». Дело в том, что изначально здание, где сегодня базируются флорентийские шедевры, было задумано как административное. Задумка строительства принадлежит Козимо I Медичи (1519-1574), который имел намерение собрать все управленческие органы Флоренции в одном месте. Требовалось новое удобное здание.

Место было выбрано живописное (знали бы они тогда, сколько будет стоить эта земля в наши дни!) — между площадью Синьории, которая во все времена была центром политической жизни, и набережной Арно.

Строительство будущей галереи Уффици началось в 1560 г. Архитектором был приглашен Джорджо Вазари, и для начала перед ним была поставлена задача расчистить старые кварталы города. Надо сказать, сделано все было очень бережно, продумано и изящно, как для XVI века. Все, что стоило сохранить, было сохранено, а то, что решено было сносить, частично использовалось в строительстве нового здания.

Основу декора дворца Уффици составляет архитектурный модуль, который повторяется по всей длине фасада. На первом этаже это портик на двух колоннах между массивными пилонами с глубокими нишами, на втором этаже — три огромных окна над каждым портиком. Третий этаж Уффици занимает лоджия. Фасад здания и сегодня выглядит довольно торжественно, а тогда он был шедевром архитектуры.

Сама постройка состоит из двух корпусов, между которыми проходит узкая Пьяцца дельи Уффици. Со стороны реки Арно корпуса соединены постройкой с эффектной аркадой в нижнем этаже, под которой приятно гулять в летний зной или под дождем. С другой стороны корпуса галереи Уффици выходят узкими фасадами прямо на центральную площадь Синьории.

Ни архитектор Вазари, ни Козимо I не дожили до завершения строительства. Но их дело продолжил потомок Козимо, старший сын Франческо (1541-1587), поручивший строительство архитектору Бернардо Буонталенти. Процесс затянулся на полных 20 лет, но в 1580 году грандиозная задумка, наконец, была завершена. Именно Франческо принадлежит идея использовать длинные лоджии третьего этажа для размещения портретной галереи знаменитостей того времени, среди которых большинство, как вы догадались, — Медичи.

Эта идея положила начало будущей картинной галереи Уффици, а чуть позднее была спроектирована Трибуна — восьмиугольное помещение, куда были перемещены самые ценные произведения искусства Медичи.

Каждый следующий представитель Медичи вносит в обустройство музея Уффици что-то свое. Так, младший брат Франческо Фердинанд I (1549-1609), влюбленный в науку и путешествия, распорядился о благоустройстве математической и географической комнат. Стены последней украсили фрески в виде огромных географических карт, а центре разместился старинный глобус.

Коллекция Уффици, или наследие Медичи

Во дворце Уффици собраны предметы искусства, которыми в свое время владела династия Медичи. В собрание входят картины флорентийского живописца Сандро Боттичелли, который по слухам состоял в дружеских отношениях со знаменитым семейством. Так и вышло, что шедевры Боттичелли легли в основу коллекции.

Многие покупают билет в галерею лишь затем, чтобы увидеть его легендарное полотно «Рождение Венеры» — оно хранится в стенах дворца с середины XIX века.

Работы других итальянских мастеров возможно и меркнут на фоне целой серии произведений Боттичелли, тем не менее картины Тициана, Рафаэля, Джотто, Леонардо да Винчи, Караваджо, Рембрандта, Микеланджело — не менее веский повод отправиться в музей. В галерее Уффици вы также обнаружите автопортреты Айвазовского и Кустодиева и коллекцию скульптур, среди которых «Венера Медичи».

Имена мастеров итальянской живописи тесно связаны не только с Уффици, но с самой Флоренцией, которая на протяжении трех столетий была центром художественной культуры.

Галерея Уффици — где находится/как добраться

Дворец расположен на небольшой площади Уффици. Можно ориентироваться и на более знаменитую флорентийскую пьяццу — Синьории, где возвышается дворец Веккьо и копия статуи Давида на его фоне. Справа от дворца вы увидите аркаду Уффици, пройдя под ней, выйдите к центральному входу. Один из фасадов галереи Уффици можно заметить с набережной реки Арно и даже с моста Веккьо.

Единственное затруднение: к музею нельзя подобраться вплотную на общественном транспорте. Придется пройтись пешком по исторической части. Но ближайшую автобусную остановку Galleria Degli Uffizi стоит запомнить на всякий, маршрут № C1.

Лучшие индивидуальные экскурсии в Уффици: «В галерею Уффици с историком искусства» с гидом Мариной, а также «Знакомство с итальянским Ренессансом» с итальянкой Шареной. Оба маршрута дают шанс узнать и увидеть максимум в короткие сроки (длительность — 2 часа).

Время работы и стоимость билетов 2019

Начнем с цен на входные билеты в Уффици (приобрести их можно на официальном сайте https://www.uffizi.it). Посещение галереи делится на два периода:

• с 1 марта по 31 октября: полный билет — 20€, льготный — 10€, общий билет «Уффици + дворец Питти + сады Боболи» — 38€ (21€ при наличии льгот);
   
• с 1 ноября по 28 февраля: полный билет — 12€, льготный — 6€, общий билет «Уффици + дворец Питти + сады Боболи» — 18€ (11€ при наличии льгот);

Можно приобрести абонемент на посещение Уффици за 50€, либо годовое посещение трех флорентийских музеев «Уффици + дворец Питти + сады Боболи» за 70€.

На Трипстере есть два маршрута, которые будут кстати после знакомства с Уффици: «Обзорная экскурсия по следам Микеланджело» (2 часа) с итальянским гидом и «Сады Боболи и музей Бардини» (3,5 часа) — знакомство с флорентийским парком и малоизвестной коллекцией Стефано Бардини. Трудно советовать, какая из экскурсий лучше и «нужнее» — обе хороши и обе проводятся на русском языке.

Есть способ оказаться в галерее Уффици «бесплатно»: для этого нужно приобрести Florence Card за 72€ на 72 часа. В радиус ее действия входит большинство музеев Флоренции, общественный транспорт. Если планируется насыщенная экскурсионная программа, то стоимость карты окупается довольно быстро.

Когда и как попасть с музей самостоятельно:

• Время работы музея Уффици: ежедневно, кроме понедельника (также официальные выходные дни — 1 января и 25 декабря).
   
• Часы работы: с 8-15 до 18-50, билетные кассы заканчивают работу в 18-05, двери закрываются для посетителей около 18-30.

Галерея Уффици на карте Флоренции

Точный адрес: Piazzale degli Uffizi, 6, 50122 Firenze FI, Италия.

10 шедевров Уффици, которые нужно знать

У нас уже готова подборка из 10 шедевров галереи Уффици, которые стоит изучить перед первым посещением. Часть из них вы наверняка прекрасно знаете, другие же, будем надеяться, — станут приятным открытием.

1. «Рождение Венеры», Сандро Боттичелли

Идею картины Боттичелли позаимствовал у флорентийского поэта Анджело Полициано, который вдохновенно описывал рождение богини. Считается, что прообразом Венеры — эталона женской привлекательности — стала Симонетта Веспуччи, первая красавица своего времени. В числе ее ухажеров были Лоренцо Великолепный и его брат Джулиано Медичи (оба мужчины из той самой богатейшей династии).

По легенде, богиня красоты родилась из капель крови Урана — они упали в морскую воду и, соприкоснувшись с ней, превратились в воздушную пену, а уже из нее вышла обнаженная Венера. Благодаря попутному ветру, она на раковине добралась до острова Кипр и уже там впервые ступила на землю. Автор главного шедевра галереи Уффици в точности следует легенде, изображая красавицу в тот момент, когда она готовится сойти с раковины. На земле ее уже поджидает одна из граций. Раковина изящно покачивается на волнах, подгоняемая ветерком и дыханием Зефира и его подруги Хлориды. Венера же застыла в нерешительности перед тем как сделать шаг.

Эта картина предназначалась для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи (двоюродного брата Лоренцо Великолепного) — заказчика полотна. Какое-то время «Рождение Венеры» украшало его виллу в Кастеллу, пока Лоренцо также отчаянно добивался расположения Симонетты Веспуччи.

Источник: fountravel.ru